25 Feb — 23 Mar 2019 at La Patinoire Royale in Brussels,

Belgium

Arno Rafael Minkkinen is a Finnish American photographer. He was born in Helsinki in 1945 and emigrated to the United States in 1951. Graduating from Wagner College in 1967 with a BA in English Literature, he began taking self-portraits four years later while working as an advertising copywriter. Minolta, Peugeot, and J&B Scotch were among his key clients. One headline he wrote guided him to consider photography seriously: “What happens inside your mind can happen inside a camera.” In the summer of 1971 Minkkinen enrolled at Apeiron Photographic Workshops in Millerton, NY to study with John Benson. It’s where Minkkinen decided to let the camera be the photographer while he became the subject. His studies advanced later with Ken Heyman, George Tice, and Ralph Hattersley as he continued hammering out headlines on Madison Avenue. In 1972 Minkkinen entered Rhode Island School of Design to study with Harry Callahan and Aaron Siskind, earning an MFA degree in photography in 1974.

Over the past four decades Minkkinen has been engaged as a teacher, curator, and writer while continuing to devote his photographic energies exclusively to the self-portrait: unmanipulated images of the nude human figure in both natural and urban settings. Finland, Norway, Sweden, France, Italy, China, and the American West have been his favorite hunting grounds. But it is on Fosters Pond in Massachusetts, on the shores of which Minkkinen’s Finnish-inspired home sits, that some of his best-known works have been made.

Published and exhibited worldwide – in over 30 countries to date – Minkkinen’s work can be found in the collections of the Addison Gallery of American Art in Andover; the Museum of Fine Arts Boston; the Museum of Art, Rhode Island School of Design; the Center for Creative Photography in Arizona; the Museum of Fine Arts Houston; the High Museum in Atlanta; the Yale University Art Gallery; the Museum of Modern Art in New York; the Centre Pompidou, the Musée d’Art Moderne, and the Maison Européenne de la Photographie in Paris; the Musée de l’Élysée in Lausanne; Kiasma, the Museum of Contemporary Art and the Finnish Museum of Photography in Helsinki; and the Tokyo Metropolitan Museum of Photography, among many others.

Seven monographs on his work have been published: Frostbite (1978), Waterline (1994, winner of the 25th Rencontres d’Arles Book Prize), Body Land (1999), SAGA: The Journey of Arno Rafael Minkkinen, 35 Years of Photographs (2005), Homework: The Finnish Photographs (2008), Swimming in the Air (2009), and Balanced Equation (2010). A new monograph will be published this year. Over one hundred solo exhibitions and nearly two hundred group shows have been seen around the world. Highlights include the 1995 exhibition titled Waterline that toured through Finland, Sweden, Belgium, France, Italy, and Switzerland. Ten years later, SAGA: The Journey of Arno Rafael Minkkinen, organized by the Foundation for the Exhibition of Photography (FEP), premiered at the DeCordova Museum in Lincoln, MA, and traveled to Romania, Slovakia, Finland, Italy, China, and Canada. The International Rencontres d’Arles in France exhibited Optic Nerve at the Parc des Ateliers in 2013. The 75-print chronological survey spanned forty-three years of work and will tour Europe in advance of an American tour to be organized by FEP.

Minkkinen was awarded the Finnish State Art Prize in Photography in 2006, the Lucie Award for Artistic Achievement in 2013, a John Simon Guggenheim Fellowship in 2015, and the Pro Finlandia medal, Finland’s highest artistic distinction on the 100th anniversary of Finnish Independence in 2017.

Born in 1954, Pierre Marie Lejeune defines himself as a sculptor-draftsman. This exhibition will reflect these two practices since it will present not only sculptures but also a series of recent drawings. Fellow of the “Villa Medici outside the walls” in 1983, he spent a year in Luxor. His meeting in the 80s with Niki de Saint Phalle will be decisive and strong ties of work and friendship will unite them until the death of Niki in 2002. Since then, he has not stopped developing a repertoire of forms which is similar to the writing of a virtual alphabet that he declines throughout his work. His favorite materials are steel, glass, light and water. Wishing to intervene as little as possible on the material, he has always favored poor materials and refuses any concession to ornamentation. He has exhibited in several museums and art centers: Mamac (Nice), Arsenal Metz, National Museum of China (Beijing), at the Seoul Art Center, National Gallery Sofia (Bulgaria), Park Tournay-Solvay in Brussels, (European Space for Sculpture) where he was the French sculptor chosen to exhibit during the French Presidency of the EU. He has also presented monumental sculpture sets in the public space, in the cities of Shanghai, Beijing, Metz, , La Haye, Boulogne-Billancourt, Auvers-sur-Oise. Pierre Marie Lejeune has completed numerous projects and orders in Europe (Germany, Belgium, Italy, France, Portugal), the United States China and Corea. His work is regularly exhibited by several major galleries in Europe and China.

« Je ne me considère pas comme un sculpteur ni comme un designer, je crée des objets poétiques. »

DZ       Pierre Marie Lejeune, comment définiriez-vous votre travail en quelques mots ?

PML    Depuis une trentaine d’année, je crée un répertoire de formes que l’on apparente souvent à un alphabet. Néanmoins, mes sculptures ne sont pas des lettres que l’on met bout-à-bout pour former des syllabes ou des mots. Ce n’est pas une écriture ayant une signification propre mais une écriture poétique qui fait appel à d’autres champs perceptifs plus qu’à un champ rationnel, se rattachant au vocabulaire, à une étymologie, à une langue.

DZ       Le langage devient en quelque sorte matière, sculpture ?

PML    Ce n’est pas vraiment un langage. Ce qui m’intéresse, c’est le passage du dessin à un signifiant comme il est le cas des pictogrammes. Ces écritures qui n’ont pas été déchiffrées avant le néolithique, pouvaient être soit une lettre, soit un début de mémorisation par les signes. Ces formes représentent avant tout un support pour la pensée.

DZ       Quel rapport entretenez-vous avec les matériaux que vous utilisez ?

PML    La prouesse technique ne m’intéresse pas beaucoup. Je cherche des métiers, des savoir-faire, et non des matériaux. Je détourne des presses dans une usine, une verrerie qui fait du flaconnage, ou des vases pour leur faire dire autre chose.

DZ       Ce sont des rencontres avant tout ?

PML    C’est inspirant de visiter les ateliers et de découvrir de nouveaux métiers, de rencontrer des professionnels qui ne font pas d’art, et travailler avec eux pour réaliser des pièces.

Je fais beaucoup de dessins, des maquettes, des plans, des aquarelles qui sont une base de travail et de dialogue. Ces supports m’aident à définir les proportions, les matériaux avec les artisans qui réalisent ensuite les pièces. Le vrai challenge est de trouver le meilleur soudeur, le meilleur verrier pour la réalisation de mes sculptures. Je suis chaque étape de confection. Cette façon de travailler m’a amené à me déplacer dans beaucoup de pays : en Chine, en Allemagne, en Italie. Je pars bientôt en Corée pour réaliser une sculpture monumentale. Je vais rencontrer là-bas de nouvelles manières d’aborder la matière ce qui influencera certainement mon travail.

DZ       En naviguant sur votre site internet, une partie est réservée à vos œuvres in situ. Est-ce un désir de s’exproprier de l’espace conventionnel d’exposition qui vous a poussé à avoir une approche contextuelle?

PML    Ce qui est intéressant pour moi dans l’approche in situ est le fait que cela puisse se faire en milieu urbain, là où les gens passent et circulent d’un point à un autre dans un certain rythme, mais que cela puisse aussi se retrouver dans des lieux de contemplation comme des parcs, une nature vierge. Je trouve intéressant d’insérer mon travail dans ce champ là. J’utilise des matières réflexives comme le miroir, l’inox poli ou brossé pour capter l’environnement qui devient grâce au matériau partie intégrante de l’œuvre.

DZ       Il est très rare de pouvoir apprécier un travail sculptural en extérieur utilisant un matériau tel que le miroir. Sans rentrer dans trop de psychologie et de psychanalyse, dans la jeune enfance, le stade du miroir aide à la formation de la conscience du Je. D’un point de vue psycho sociologique, nous sommes aujourd’hui dans une société où la subjectivation et l’individuation prônent. Est-ce qu’un dialogue s’installe entre l’alphabet particulier que vous créez et la société de consommation ?

PML    On est dans une société de l’image.

Dès que nous ouvrons notre ordinateur, nous sommes presque agressés par trop d’informations. Dans la rue, nous sommes submergés d’images imprimées sur papier ou ces écrans qui fleurissent partout et de plus en plus, dans toutes les villes.

Cette société de consommation nous donne des stimuli constants que nous essayons de ne pas prendre en compte dans son ensemble pour avoir une paix cérébrale.

J’aurais pu remplacer le miroir par un système d’écran à LED connectés à des caméras vidéo et des capteurs, mais ce matériel est beaucoup trop fragile et demande trop d’entretien. Le miroir est un matériau que j’utilise depuis que j’ai 25 ans, étant fauché à l’époque, je ramassais les miroirs que les gens jetaient.

Le miroir instaure un rapport anthropomorphique. Devant lui, nous nous retrouvons fatalement face à l’humain. Ce matériau amène l’humain à avoir une lecture de lui-même et de son environnement.

DZ       Des rencontres qui ont influencé votre parcours ?

PML    La personne qui m’a le plus influencé est Diego Giacometti, que j’ai rencontré au retour d’une année passée en Egypte où j’étais parti grâce à une bourse de la Villa Medicis hors les Murs.

Ce qui m’a fasciné dans sa démarche était le désir de faire du mobilier avec des éléments figuratifs, tel que le feuillage, par exemple. C’était un des premiers à faire ça. Comme l’artiste designer Ron Arad le définit si bien, j’étais face à une non-discipline. Face aux œuvres de Diego Giacometti, nous nous retrouvons à la fois dans le design et dans le Fine Art.

Il y a quelques années, les galeries de design définissaient mon travail trop plastique alors les marchands d’art le trouvaient trop « design ». Aujourd’hui, cela ne pose plus problème, les créateurs de modes font des sculptures, les architectes des chaises, les designers de la musique… Il devient presque rare que les artistes n’utilisent pas d’autres médias dans leur travail, que ce soit de la sculpture, peinture, vidéo ou de la photo.

Je suis en train d’aménager un lieu à Shanghai qui s’appelle le KTV. Ce lieu est dédié à la musique électronique où des DJ’s d’Allemagne, de Suisse, des Etats-Unis viennent jouer. J’aime beaucoup la musique électronique car cela représente pour moi l’appropriation d’une très grande technologie. Je pense que les gens qui font ça ne sont pas simplement des musiciens comme autrefois, pas de grands violoncellistes, pianistes… mais ce sont, quelque part, des ingénieurs qui maitrisent très bien ces nouveaux instruments, ces nouvelles technologies.

Une autre grande rencontre est bien sûr celle avec Niki de Saint Phalle avec qui j’ai collaboré et qui est devenue une grande amie et quelqu’un de très proche. J’ai surtout suivi l’élaboration du Jardin des Tarots (jardin de sculptures ésotériques qui se trouve en Toscane).

Elle a été la première personne à me faire une commande. J’ai réalisé un ensemble de formes fluides sur lesquelles des structures en céramiques sont disposées comme des bancs ou juste comme des formes organiques qui émergent du sol. L’ambiguïté se joue encore ici : entre la fonctionnalité que l’on veut donner à l’objet et sa plasticité.

DZ       Cette première collaboration avec la galerie se ponctue par une double exposition. La majeure partie de vos œuvres sera exposée à la galerie et une d’entre elles sera présente sur le stand que nous occuperons lors de la foire ArtBrussels. Aviez-vous déjà exposé en Belgique auparavant?

PML    En 2008, dans le cadre de la présidence de l’Union Européenne par la France, j’ai été sélectionné par l’Espace Européen pour la Sculpture pour exposer des œuvres dans le parc de Tournay-Solvay. Quatorze sculptures étaient exposées dans différents endroits du parc. L’exposition durait trois mois au cours desquels d’autres sculptures étaient présentées dans la librairie St Hubert qui se trouve dans la Galerie du Roi.

Entretien avec David Zacharie – Mars 2013

Pierre-Marie Lejeune, du principe d’invention

Ni sculpteur, ni designer. Pierre-Marie Lejeune est catégorique. Il réfute toute qualification qui le cataloguerait dans l’exercice d’une pratique jugée par lui comme réductrice par son appellation. En revanche, il revendique volontiers celle de dessinateur pour ce que le dessin est en amont de toute création. Ne serait-ce qu’en pensée dans sa graphie originelle de dessein, c’est-à-dire de projet, quand l’esprit pense une forme avant de la matérialiser. Le terme de Linea qu’il a retenu pour titre de son exposition vient donc à propos pour nous inviter à considérer son travail à l’aune d’un point de départ.

Ce souci d’une origine passe pour un des vecteurs cardinaux de sa démarche et l’assure tant au rapport des formes retenues que des matériaux mis en jeu d’une permanente régénérescence de sa production. Structure, construction, nucleus, colonne constituent les éléments formels des pièces présentées ici dans un jeu de déclinaisons qui croisent l’emploi de matériaux réfléchissants comme s’il était toujours question de renvoyer le regard à sa propre expérience perceptuelle.

Pierre-Marie Lejeune s’est inventé l’expression d’« objets poétiques » pour désigner la sorte de travaux qu’il réalise quelles que soient leur dimension – à portée de main ou à échelle monumentale – et leur destination – à l’intérieur ou à l’extérieur. Que ceux-ci en appellent à une forme ramassée comme sa série des mains, architecturée comme ses consoles, circulaire et ouverte comme cette figure aux allures de roue solaire, voire de vaisseau spatial qui lui appartient en propre et le signe au premier regard.

L’art de Pierre-Marie Lejeune est requis par le jeu d’associations et de combinaisons qui confèrent à ses travaux une dynamique interne : traversée, emboîtement, réflexion, équilibre, etc. Certains sont même chargés d’un potentiel lumineux qui en multiplie les variations. La prédilection de l’artiste pour des formes usinées est à l’égal de son intérêt pour une production d’objets uniques, sinon éditées à quelques exemplaires, qui en appellent à un savoir-faire spécialisé de praticiens avec lesquels il travaille parce qu’il est toujours par l’échange en situation de recherches nouvelles.

Pierre-Marie Lejeune présente par ailleurs trois séries de photographies de dessins originaux à l’encre sépia. Tirés en argentique, ceux-ci offrent à voir tout un lot de projets d’œuvres comme les éléments d’un vocabulaire plastique avec lequel composer. Le choix qu’il a fait de livrer non les feuilles dessinées mais leur image transposée sur papier photo relève d’une volonté de mise en abîme pour restituer au dess(e)in sa nature virtuelle. Il y va là d’une mesure quasi alchimique à l’instar de tous les effets de dématérialisation qui font la spécificité de ses « objets poétiques ».

A considérer leur diversité et leur singularité, il semble bien au bout au compte que l’œuvre de Pierre-Marie Lejeune est réglée par un principe d’invention au sens premier de ce mot. A savoir qu’elle se nourrit elle-même de la liberté que lui octroie l’artiste dans le rapport sensible et cognitif de ses constituants. Toutefois, si elle s’invente soi-même, elle n’en ignore pas pour autant toute une histoire des formes, sinon de l’art.

Philippe Piguet